GLOBALARCHYTRAD

Marchesini Headquarters- LAN Arquitecture

2011-11-05T21:51:00.000+01:00

En este "enlace" me remito a la página de donde saqué las fotografías, y donde podréis encontrar más información.

Cristina García Rodero

2011-11-04T22:25:00.001+01:00

Una mirada hacia la España profunda de hace, a mi juicio sorprendentemente, poco más de 20 años (o incluso menos tiempo en algunos casos).

Os dejo una selección de fotografías de una gran fotógrafa objeto temático de dos excelentes exposiciones que tuve la oportunidad de ver en dos contextos totalmente diferentes: primero en el CGAC, el Centro Galego da Arte Contemporánea de Santiago de Compostela, y después en el Castillo de Santa Catalina, en Cádiz, mi tierra natal.

Os dejo además un enlace donde podréis encontrar más información de esta increíble fotógrafa: "pulsar aquí para ir a magnumphotos.com"

Y un enlace a una noticia sobre la exposición: "pulsar aquí para ir al enlace de la noticia"

Os dejo, además, otras muestras de otras fotografías:

JOAN MIRÓ

2011-11-04T21:55:00.001+01:00

http://www.espanolsinfronteras.com/Elarteylahistoria07LPintoresJoanMiro.htm

Pintor y escultor español nacido en Barcelona el 20 de abril de 1893 y fallecido en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983. Su figura y producción han sido de gran importancia en el curso de la vanguardia internacional del siglo XX, tanto por el peculiar énfasis y equilibrio que puso su obra en la expresión y la experimentación, como por su singular significación, especialmente respecto al movimiento surrealista, del que Miró formó parte activa, y al posterior desarrollo de la abstracción expresionista, que se vio inspirada por sus creaciones.

M.C.Escher

2011-11-04T21:55:00.000+01:00

M.C.Escher visitó la Alhambra de Granada en dos ocasiones: en 1922 y en 1936. Esta segunda visita, de la que se cumplen ahora 75 años, marcó un antes y un después en la obra de este holandés genial. Una obra marcada por su profundo interés por las matemáticas, la arquitectura y la perspectiva. Para conmemorar esa visita, el Parque de las Ciencias y el Patronato de la Alhambra y Generalife producen esta exposición que se presenta simultáneamente en sus dos sedes (Parque de las Ciencias y Alhambra. Capilla del Palacio de Carlos V). Con un diseño vanguardista y envolvente, la muestra incorpora 135 obras procedentes de la Fundación M.C. Escher, en las que se ve el tránsito de la reproducción de la naturaleza hasta la manipulación de la realidad a través de sus ilusiones ópticas y espacios imposibles. Un recorrido por lo más fascinante de su obra en la exposición: M.C. Escher, Universos Infinitos, del 29 de marzo de 2011 al 08 de enero 2012 en Granada:

http://www.eschergranada.com/es/exposicion/la-exposicion

Jack Vettriano

2011-11-04T21:54:00.000+01:00

Al más puro estilo Mad Men...

Giovanni Battista Piranesi

2011-07-05T22:46:00.002+02:00

ARQUITECTURA EN MADERA- JOSÉ RAMÓN NOYA VÁZQUEZ

2011-04-10T19:08:00.017+02:00

Aquí os muestro unos render, bocetos y detalles constructivos del Museo-Centro de Interpretación Castro de Borneiro, relativos al proyecto de fin de Carrera del arquitecto José Ramón Noya Vazquez (josernoya@gmail.com). El proyecto consiste en una pieza totalmente adaptada al terreno y una volumetría definida por los condicionantes del entorno: las vistas, el sol, la lluvia, el viento... ¡Todo un lujo poder contar con este material inédito en nuestro blog! Espero que os guste:

CASA BUCHUPUREO / ALVARO RAMIREZ + CLARISA ELTON

2011-04-10T18:46:00.005+02:00

Os dejo las imágenes de esta magnífica obra arquitectónica, donde prima la naturalidad a la hora de proyectar para dar protagonismo al entorno, y el enlace de donde he extraído las imágenes, para aquellos que quieran más información: http://www.cttmadera.cl/2008/04/02/casa-buchupureo-alvaro-ramirez/#more-840

FINLANDIA- SAUNA SIMMONS – HEIKKINEN & KOMONEN

2011-04-10T18:40:00.007+02:00

Sauna y madera combinan en esta obra, iniciativa de los arquitectos finlandeses Heikkinen & Komonen: "We are Finns... we just want to make good architecture, no matter the circumstances"

http://arkinetia.com/Articulos/art34.aspx

NORUEGA: RUTAS ARQUITECTÓNICAS

2011-02-21T16:46:00.006+01:00

Aquí os dejo unas imágenes impresionantes de las rutas arquitectónicas por carretera en Noruega. En esta iniciativa, han participado arquitectos de la talla de Margrete Friis, Peter Zumthor, PUSHAK arkitekter, Code Arkitektur, Manthey Kula, Snøhetta AS y Jensen y Skodvin, entre otros. Para más información, os animo a visitar la página web de la que he tomado prestadas las imágenes: http://knstrct.com/2011/03/01/travel-norway-the-architectural-way/.
Una auténtica maravilla, como podréis apreciar.

También os animo a visitar http://www.turistveg.no/en

ALEJANDRO DE LA SOTA

2011-02-20T15:57:00.008+01:00

http://www.alejandrodelasota.org/presentacion.cfm?idSeccion=2

RICHARD NEUTRA

2011-02-12T17:48:00.007+01:00

Richard Neutra nace en Viena en 1892 y emigra a Estados Unidos en 1923. Se establece en Los Ángeles, donde desarrolla la mayor parte de su carrera. Uno de sus mentores fue Otto Wagner, así lo reconoce en una de sus primeras experiencias en la inauguración del Metro de Viena, donde las estaciones fueron diseñadas por Wagner. Neutra se licenció en ingeniería en la Universidad de Viena donde admiraba la obra de otros arquitectos modernos como Frank Lloyd Wright o Adolf Loos, este último con gran influencia sobre la arquitectura vienesa moderna, con el primero llegaría a trabajar.

Neutra opinaba que el entorno humano debe dirigir los sentidos, y definía su estilo como "biorrealismo" ya que la arquitectura debe dirigirse a los seres humanos por como se comportan y evolucionan: Los seres humanos debían entrar en contacto con su alrededor no al contrario. Por ello, diseña sus casas como máquinas para habitar el entorno. "El ser humano necesita contactar con la naturaleza, necesitaba ver el horizonte". La definición de Neutra de naturaleza se basaba en el ser humano, nosotros somos naturaleza y así lo dejo patente en los ensayos "Nature Near": "El universo del que formamos parte es un continuo dinámico. Se extiende desde los sistemas galácticos más distantes hasta nuestra atmósfera, nuestra biosfera y nuestro manto terrestre, penetrando cada vez más profundamente en la red de acontecimientos moleculares y subatómicos que configuran la materia, el movimiento y nuestra mente. Nuestra piel es una membrana, no una barricada. Los limites más remotos del cosmos no se encuentran ahí fuera, en algún lugar, sino que están casualmente entrelazados con los pliegues más cercanos y profundos de nuestro paisaje interior."

Más información: http://www.disenoyarquitectura.net/2009/03/arquitectos-richard-neutra.html

RICHARD NEUTRA- BOCETOS

2011-02-12T17:42:00.006+01:00

Melodías pizarras

2011-02-03T13:04:00.002+01:00

Os dejo un enlace de un programa de radio3 titulado Melodías Pizarras que, como bien indican en su presentación, es "más que un programa radiofónico, una labor de arqueología sonora y utilidad pública". El objetivo: "rescatar del fondo del baúl aquellas placas de pizarra a 78 rpm que conformaron la verdadera era del pop español durante las décadas de los años 20, 30 y 40 del siglo pasado".
¡Un auténtico descubrimiento!

http://www.rtve.es/podcast/radio-3/melodias-pizarras/

De paso, os dejo también este blog: http://cancionespizarras.blogspot.com/2010_06_01_archive.html

La escritura de los árboles, Granada (3-25 febrero)

2011-02-03T13:01:00.001+01:00

El Centro Europeo de las mujeres "Mariana de Pineda", ubicado en la C/
Águila nº19, acoge del 3 al 25 de febrero, la exposición de pintura "La
escritura de los árboles" de la autora María José Barranco Jurado, en
colaboración con la Concejalía de Igualdad de Oportunidades del
Ayuntamiento de Granada.

Fernando Durán

2011-01-30T19:32:00.005+01:00

Aquí os dejo un post con las fotos de un joven fotógrafo español del que ya se comienza a hablar en algunos círculos... espero que os gusten.

http://www.fernandoduranphotographs.com/

Eve Arnold

2011-01-30T13:05:00.007+01:00

Hija de inmigrantes rusos, Eve Arnold nació en Filadelfia y comenzó a trabajar en un laboratorio fotográfico en Nueva York en 1946, donde despertó su pasión por la fotografía. En 1948 estudió en la New School for Social Research de esa ciudad bajo la supervisión de Alexei Brodovitch, director de arte de la revista Harper's Bazaar. Desde entonces, Arnold se ha ganado el reconocimiento internacional de la crítica y el público pro sus ensayos fotográficos sobre China, Afganistán y la Unión Soviética, así como por los retratos cálidos e íntimos de dignatarios y estrellas del cine, como Marilyn Monroe, a quien fotografió desde 1951 hasta la muerte de la actriz. A partir de 1951 trabajó con Magnum y en 1957 fue nombrada miembro de la agencia. En los años 60 se trasladó a Londres, donde vive desde entonces. Uno de sus trabajos más destacados es su reportaje de los actores Marilyn Monroe y a Clarck Gable en el que fue el último rodaje para ambos: The Misfits (1961) (en español Vidas Rebeldes).

Ilan Wolff

2010-10-04T11:04:00.008+02:00

1ª Bienal Internacional de Fotografía y Artes Audiovisuales de Granada.
PhotoGranada 2010.

El fotógrafo israelí Ilan Wolff, conocido internacionalmente por sus trabajos realizados con la antigua técnica de la cámara oscura, presenta su obra en el marco de la 1ª edición de la Bienal FotoGranada2010 con la exposición "La magia de la fotografía, antiguas técnicas en la gestación de nuevos conceptos".

La utilización de la cámara oscura para la producción de fotografías lleva a Ilan Wolff a conseguir unas obras muy personales a través de las cuales muestra su particular visión del mundo. Un experimentado uso de los principios ópticos que dieron lugar a la cámara oscura, en combinación con la riqueza de la imagen visual, han dado lugar a un reconocido trabajo en el panorama internacional, convirtiéndolo en uno de los referentes del arte actual en todo el mundo, a través de la fotografía estenopeica.

Así, la obra de Ilan Wolff aúna lo más emergente en el concepto del discurso de la producción artística visual con la primera tecnología que dio origen al mundo de la fotografía. Su trabajo es una profunda reflexión sobre la importancia del origen de los descubrimientos científicos y tecnológicos y de la pervivencia de estos métodos no sólo en la producción de obras de arte, sino en la comprensión de la historia de los medios actuales y en la construcción del pensamiento de la humanidad.

Lina Bo Bardi

2010-10-02T13:14:00.008+02:00

La modernidad tiene todavía muchos secretos que la siguen manteniendo a la orden del día en cualquier lugar de discusión, y uno de los mejor guardados tiene que ser Lina Bo Bardi, que bien se puede decir que junto a Eileen Gray conformó el lado femenino de la modernidad. Fácilmente se podría afirmar que en ella se encuentra el mayor talento femenino multidisciplinario del siglo XX (mayor que el de Gray, incluso), genialidad que paso por desapercibida durante la superficialidad del movimiento moderno; pero eso no fue lo más importante de Lina Bo. Su verdadero aporte consiste en haber rescatado inteligente y sensiblemente lo que Van Eyck le criticaba a la modernidad: el papel que tiene la arquitectura en relación a la sociedad y al lugar.
En la arquitectura de Lina sucede algo parecido a lo que existe en la obra de Alvar Aalto: el espacio adquiere una connotación autónoma de lugar y de sociedad que no se encuentra si quiera germinado en la austeridad funcionalista de Gropius, de Mies o del mismo Lucio Costa.

http://www.analitica.com/archivo/vam1996.08/arv1.htm

Marcio Kogan

2010-10-02T13:06:00.007+02:00

http://www.marciokogan.com.br/#/home

Wong Kar Wai

2010-09-22T22:45:00.017+02:00

Los personajes de las obras de Wong Kar-Wai son dolientes: viven en la frustración, están necesitados de afecto y, al mismo tiempo, son incapaces de suturar la herida que les aqueja porque ellos mismos se autoinmolan al no situarse en el instante adecuado ni en la actitud adecuada. El azar es consecuencia de sus actos, de su incapacidad para decidir avanzar hacia el encuentro de la felicidad; de ahí la nostalgia por algo que no se ha perdido porque jamás se ha tenido ni podrá tenerse; de ahí, también, la magnificación del pasado como el lugar de la “posibilidad”, del recuerdo enfermizo que no es sino la herida abierta.

Francisco Javier Gómez Tarín. Wong Kar-Wai. Grietas en el espacio-tiempo. Ed. Akal. Madrid, 2008.

http://www.myspace.com/karwaiwong

Moholy Nagy

2010-09-13T01:16:00.007+02:00

Aunque el artista húngaro Moholy-Nagy no se consideraba a sí mismo en realidad fotógrafo, sino pintor, hoy es considerado como un innovador y como uno de los pioneros de la fotografía de los años veinte.

El artista clasificaba a la pintura como un medio para dar forma al color, mientras que veía en la fotografía un instrumento para la investigación y la exposición del fenómeno luz. Para él, no se trataba de un medio perfecto para intensificar la visión humana – como se afirmaba frecuentemente durante los años veinte -, sino de una nueva materia artística.

Así, en su libro “Pintura, Fotografía, Film”, Moholy-Nagy acuñaba el concepto de la fotoplástica, determinante en sus fotomontajes. En ese contexto, explicaba lo siguiente: “Se trata del acoplamiento de diversas fotografías, de un intento metódico de representación simultánea donde se superponen juegos de palabras e imágenes; una fusión extraña e inquietante, a nivel imaginario, de los procedimientos imitativos más realistas.

Para ver imágenes de su obra fotográfica, véase http://www.elangelcaido.org/fotografos/lmoholy/lmoholy01.html

Mondigliani

2010-09-12T23:30:00.007+02:00

En la oscura neblina de París,
Quizás otra vez Modigliani
Camine imperceptible tras de mí.
Su triste naturaleza
Incluso en el sueño me inquieta
De ser culpable de muchas desdichas.
Pero para mí –su mujer egipcia– él es
La música que toca el viejo en el organill,.
Todo el rumor de París se esconde bajo esa música,
Como el rumor de un mar subterráneo
Que ha bebido del dolor
El mal y la vergüenza.

Anna Ajmátova
(variante de un borrador de “Poema sin héroe”)

http://www.jornada.unam.mx/2009/05/10/sem-jorge.html

Nueva Orleans

2010-08-12T10:38:00.009+02:00

Nueva Orleans, la cuna del jazz, ciudad de colores, contrastes, ritmos, razas y culturas. Ciudad vibrante, que vive por y para la música. Nueva Orleans, un auténtico paraíso musical influenciado por ritmos antillanos, afroamericanos, franceses y norteamericanos, un estilo propio que se deja entrever en cada rincón de la ciudad. Ciudad fruto de un legado histórico de colonizaciones, que se plasma en su gastronomía, historia y arquitectura. Nueva Orleans, paraíso musical, hospitalidad natural y espontánea, entretenimiento, cultura y placer que a nadie dejará indiferente.

Para seguir leyendo.... http://www.almamagazine.com/entradas-nueva_orleans-paraiso_multicultural

Paul Colin

2010-08-09T13:30:00.015+02:00

Paul Colin, Revue Nègre

Paul Colin (1892 -1985)
Amante de Josephine Baker y fundador de la Revue Nègre, es considerado el mejor diseñador de carteles de la historia. Desde sus primeras obras reflejaba ya un estilo muy personal y característico, lo que le llevó a un reconocimiento notable a nivel internacional. La simpleza y precisión de sus retratos, la fuerza evocadora de sus obras hicieron de él un maestro de la comunicación visual, trabajo que a día de hoy resulta sorprendente e innovador, objeto de inspiración para muchos jóvenes artistas.

He was the master of painter Philippe Derome and poster artists duo Lefor-Openo

William Turner "el pintor de la luz y lo sublime"

2010-07-11T14:00:00.007+02:00

Hasta el 19 de septiembre, el Museo del Prado de Madrid acogerá una de las exposiciones más importantes de todos los tiempos: más de 40 obras de uno de los principales exponentes de la pintura británica y predecesor de los impresionsitas, quienes estudiaron su obra con detenimiento, y del Expresionismo Abstracto estadounidense: Joseph Mallord William Turner. Sus obras, al óleo y en acuarela, apocalípticas y vibrantes, potentes, agresivas, de paisajes que cobran vida y se vuelcan contra el hombre, desatando toda su furia: fuegos, catástrofes, hundimientos... La humanidad, no es más que un conjunto de peones al servicio de la naturaleza. Turner, pintor romántico, una figura controvertida en su tiempo, miembro de la Royal Academy desde los 23 años. Pintor poco convencional, quien utilizaba sus manos para proyectar sobre el lienzo la impresión que los objetos o fenómenos causaban en su mente en lugar de plasmar la representación exacta de lo observado. Un genio de su tiempo, genio de la pintura, precursor de la estética Modern Painters. Un visionario.

Para más información: http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/turner-y-los-maestros/

Étienne-Louis Boullée

2010-07-11T13:43:00.003+02:00

El espiritu es la voluntad de expresar
Puede hacer al gran sol parecer pequeño,

El sol existe
por eso el Universo existe.

¿Necesitábamos a Bach?
Bach existe
por eso la música existe.

¿Necesitábamos a Boullée?
¿Necesitábamos a Ledoux?
Boullée existe
Ledoux existe
Por eso la Arquitectura existe.

Louis i. Kahn
En: The Visionary Architect: Boullée, Ledoux, Lequeu, Universidad de St. Tomas, Houston, 1968, pág. 5

Claude-Nicolas Ledoux

2010-07-10T17:38:00.006+02:00

A todo jazz- Radio 3

2010-06-13T12:19:00.013+02:00

A aquellos amantes del jazz, recomiendo encarecidamente este programa de Radio 3. En el siguiente enlace, podréis bajar todos los podcasts y oírlos. Es perfecto para trabajar, leer o simplemente oír buena música.

http://www.rtve.es/podcast/radio-3/a-todo-jazz/

Joseph Kosuth

2010-05-12T20:47:00.005+02:00

“El arte es, de hecho, la definición del arte”

Para más información: http://artecontempo.blogspot.com/2005/09/joseph-kosuth.html

Dan Flavin- Minimal Art

2010-05-12T20:08:00.006+02:00

Hablar de las obras de Dan Flavin es hablar de minimalismo en sentido amplio, y de tubos de neón, en sentido estricto. Es hablar de composiciones simples cargadas a su vez de ingenio, impregnadas por la presencia de la mano creadora, evocadoras de atmósferas envolventes.

La carrera artística de Dan Flavin comenzó en los años sesenta, y ya casi desde un principio se centra en la utilización de tubos florescentes. Esto le permite por un lado crear entornos estáticos donde se acentúan las cualidades energéticas, coloristas y vibrantes de los tubos y por otro modificar los espacios mediante distintas atmósferas cargadas de misticismo e inmaterialidad, cromatismo en estado puro, invadiendo la sala e involucrando al observador como elemento más de la obra.

Piezas que, a partir de su disposición, nos llevan a la contemplación y reflexión sobre la luz como experiencia puramente estética, sin otra conexión o asociación conceptual aparente, más que la que el autor quiera hacer consciente, inconsciente o irónicamente a través del título de la misma.

Fuente: http://fiveprime.org/hivemind/Tags/flavin,neon

CASA Y - Jorge Souza Santos

2010-05-12T19:26:00.004+02:00

Para más información, os remito a Arquitour ...

http://www.arquitour.com/casa-y-jorge-sousa-santos/2009/09/casay-8/

Gyula Halász: Brassaï (1899-1984)

2010-03-29T21:53:00.012+02:00

"La noche sugiere, no enseña.
La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por la razón..."

El lissitzky

2010-03-14T22:28:00.039+01:00

Le Corbusier - Arte & Arquitectura

2010-03-14T13:58:00.032+01:00

La banalización suprema del arte: erotismo à la carte y con subvención

2010-03-08T20:18:00.028+01:00

No deja de sorprenderme la nueva instalación que ocupa lugar en la Secesión vienesa, junto con los frisos de Klimt; edificio, ya de por sí, polémico y rupturista, icono del jugendstil.

Contando con el apoyo de un club de sexo à la carte, donde, como ya es sabido, se fomenta el intercambio de parejas, la sodomía, el masoquismo, las orgías, tríos y otras prácticas sexuales abiertas a la imaginación del interventor, el Sr. Christoph Büchel ha concebido y materializado (todo sea dicho), la posibilidad, de llevar este ambiente como tal al museo, suscitando una enorme polémica y llevando como carta de presentación el concepto "transgresión".

Como es natural, mi sorpresa, está bien justificada. No porque el museo se convierta o no en un prostibulo, (y ahí resalto las diferencias entre prostíbulo y club de sexo à la carte, estando bien marcadas, ya que cada uno de éstos parte de una concepción, un punto de vista e incluso una función divergente), sino porque, para empezar, se utiliza el morbo, la transgresión como eje central de una exposición, y como herramienta, el sexo. Pero no el sexo como concepto, que ya se ha hecho con anterioridad en contadas ocasiones, y ha tenido resultados bastante interesantes, sino el sexo en vivo y en directo. El visitante se convierte en un mero espectador, actor, interventor... en este marco, el visitante puede pasar a formar parte de la instalación y ser un elemento más. Experimentar el arte en vivo.

Sin duda alguna, es una obra transgresora, un discurso cada vez más recurrente. Transgresor en el sentido de rompedor, suscitador de polémicas, evocador, provocador... Transgresor implica que se hable de ello, porque choca, rompe moldes, concepciones... y cierto es. introducir sexo en vivo en un museo incide directamente en las concepciones más profundas, rompe con todo lo establecido, y su efectividad se ve altamente beneficiada cuando, además, viene acompañado de un discurso atractivo y aparentemente culto, inteligente, elitista incluso (entiendase que sólo mentes aparentemente muy abiertas lo pueden concebir en su totalidad, y apreciar plenamente); discurso a partir del cual el museo se convierte en el entorno facilitador que permite al espectador dar rienda suelta a sus más (supuestas) íntimas fantasías eróticas. Se rompen las barreras, los tabúes, la pesada y arraigada moralidad...

No hay que olvidar tampoco que este discurso tan inteligente y carismático apela profundamente el sentimiento artístico de la economía, que ve en él una profunda fuente de ingresos. Esta forma de "arte", pues, altamente lucrativo, tiene, pues, unas muy elevadas perspectivas de éxito, y una muy significativa subvención por parte de instituciones públicas y privadas de dos países.

Y he aquí el quid de la cuestión. Quizás deberíamos parar un momento y hacer una reflexión. Por un lado, tenemos una obra transgresora, polémica, rentable, en otras palabras. Por otro, el concepto arte, y lo que aquí está sucediendo: la banalización, ya que, si ya existe un lugar específico donde experimentar estas para estas "vivencias", estas "experiencias" en vivo, ¿qué necesidad hay de introducirlo en un museo? Entiendemos, pues, que pueda cambiar la concepción de museo, que estos estén en constante evolución, pero de nuevo, debemos ser fieles a nuestra lógica y preguntar ¿y qué?. Si ya existe, está en la calle, podemos experimentar esta "experiencia", "arte", "vivencia", llámese como quiera llamarse, ¿qué necesidad hay de llevarlo al espacio de exhibición? ¿no se estará llevando la banalización del arte al extremo?
Por regla de tres, ¿seguimos la lógica según la cual es el espacio de exhibición el que hace que algo sea o se transforme en arte? ¿se sigue acaso una lógica cogito ergo sum, según la cual, estoy en un museo, entonces soy arte. Si estoy en mi lugar habitual, ya soy banal? ¿cuando vamos a un museo, nos convertimos en arte nosotros también? ¿puedo yo, como ente, individuo, ser una obra de arte, una instalación, por estar en un espacio de exhibición, sea museo, galería, etc.? ¿será lo siguiente, pues, sacar a un cocinero de su cocina, y meterlo en una exposición permanente? ¿crear un corral en una sala, y llevar el ambiente rural en sentido pleno al museo?

En tal caso, parece ser una relación causa-efecto. Creo que el origen de esta "aceptación" ilógica de lo banal vendido como arte se encuentra en el distanciamiento del arte contemporáneo del ciudadano de a pie, quien, bien lo rechaza totalmente, o bien, lo acepta. Quien no lo comprende, y así lo afirma, o bien afirma lo contrario, sin estar seguro de lo que afirma.

Se ha llegado a un punto tal que no se produce un distanciamiento de lo que es bueno o lo que es malo, y se aplican distintas escalas de medida a cuál más errónea: innovación, transgresión, contenido... Desgraciadamente, cada vez menos, nos regimos por la lógica. Y cada vez se tiene más miedo a preguntar o criticar, resultado de la incomprensión en múltiples ocasiones. Y la situación es preocupante, y frustrante.

Por otro lado, no menos interesante para esta reflexión, es que suponemos que la época que nos ocupa en la actualidad, (época teórica), sitúa la democratización del arte en uno de los objetivos principales. Se produce pues, una enorme brecha entre esa época teórica y su reflejo en la práctica, ya que, desgraciadamente, esto no es lo que está pasando en los espacios de exhibición. Ahí, hacemos un inciso para mencionar que conservadores, museos, galerías... tienen mucho que decir, y que hacer.

En definitiva, el arte se está volviendo cada vez más elitista, y opta por un público, que ya es elitista de por si, lo que es una gran incongruencia, porque no asistimos a una democratización del arte, sino a una banalización, cada vez más acusada. Todo vale, y ese todo vale, es justamente lo que, por ende, hace que muchas veces, se preste atención a lo que sucede, y, en un momento de lucidez, uno se dé cuenta que en realidad no vale ni la más mínima parte de ese "supuesto valor".

Incito pues, a pensar, ¿hasta qué punto se aprovecha dicha banalización del arte, mezclada con la incomprensión y la distancia que genera el distanciamiento -sea dicho- entre el arte y el ciudadano de a pie, y la necesidad de pertenecer a un círculo elitista, de la situación actual para no tener que buscar nuevas vías artísticas que no incurran en la plena banalización? ¿hasta qué punto estamos degradando la palabra arte a partir de lo que denominamos como tal?

Aún hay personas que creen en el arte, y que le otorgan un estatus privilegiado, así como al artista que lo lleva de la mano, a la obra y al artista.

La banalización en este sentido, me parece un insulto al arte como tal, donde no se aprecia ese componente tan mezclado a este oficio: creatividad. Si consideramos la creatividad como un talento especial o privilegio, creo que no debemos incurrir en la farsa de aplicarlo por doquier y allí donde oímos un discurso efímero que verse sobre una recreación de algo que ya existe y que no pasa por un filtro.

La lógica y una visión crítica e intuitiva de lo que se experimenta debe prevalecer sobre cualquier discurso cliché.

A continuación, os dejo con enlaces donde podréis encontrar más información sobre esta instalación y unas magníficas fotos del edificio de la secesión, en Viena, y de los increibles frescos que se pueden ver allí de Gustav Klimt.

Espero que os gusten.

Enlaces relacionados
http://www.secession.at/e.html

http://www.boston.com/ae/theater_arts/articles/2010/02/23/sex_at_the_museum_swingers_in_vienna_art_hall/

http://www.elpais.com/articulo/reportajes/Sexo/grupo/museo/elpepusocdmg/20100307elpdmgrep_7/Tes

Steven Holl Architects

2010-03-03T16:00:00.031+01:00

"En el mundo de Holl, la luz tiene un protagonismo fundamental: divide los espacios y traza las línea."

Más información: http://www.taringa.net/posts/imagenes/2080515/Steven-Holl:-Arquitectura-que-emociona.html

http://www.stevenholl.com/

Procrastination: by Johnny Kelly

2010-03-03T15:48:00.005+01:00

Jose, te agradezco este vídeo, por lo que te dedico esta actualización.

Este es el proyecto final que presentó un alumno en el Royal College of Art de Londres en el año 2007, corto centrado en el rasgo más humano y más universal de la procrastinación y es que, a veces, la única forma de conseguir hacer algo, es haciendo mil cosas antes... http://vimeo.com/9553205

Procrastination from Johnny Kelly on Vimeo.

Nancy Holt

2010-02-27T23:31:00.021+01:00

La obra de Nancy Holt está estrechamente relacionada con el landart.

Su trayectoria artística comienza en 1960 y se basa principalmente en crear una conciencia colectiva sobre las acciones del hombre y su repercusión en el entorno, incluso en lugares remotos y desérticos. La obra sun tunnels, que veremos a continuación, se encuentra en el desierto de Utah. ¿Mera casualidad que ese mismo año, 1960, se completaran las obras de unos macrotúneles?.

En esta obra, cuatro túneles de hormigón están dispuestos en forma de x, y cada uno se corresponde con una coordenada distinta: solsticio de verano, solsticio de invierno, salida de sol, y puesta de sol. Por consiguiente, cada uno reacciona de forma directa al sol, creando distintas tonalidades de rojos, naranjas, dorados y ocres en su interior y entrando en profundo contraste con el color gris del espacio circundante. Se aprecia, pues, su preocupación por cómo las personas perciben el tiempo y el espacio en su obra y por cómo varía la intensidad de la luz del sol en el desierto en comparación con la ciudad.

Los túneles además presentan pequeñas perforaciones simulando las constelaciones de Draco, Perseo, Columba y Capricornio, que dejan filtrar la luz en el interior. Sobre este hecho, la artista afirma que, de este modo, puede traer el cielo a la tierra.

Como se puede apreciar en las fotografías, la obra está perfectamente integrada en el entorno abrupto y hostil del desierto.

Walter de María

2010-02-27T22:28:00.026+01:00

Walter de María (California 1935)es el máximo exponente del movimiento landart desde 1968 a raíz de su exposición en la galería Heiner Friedrich, en Munich, donde optó por llenarla de basura. Desde entonces, las esculturas geométricas en serie y el landart ocupan la mayor parte de su obra, conocida en todos los rincones del mundo.

Las exposiciones más recientes han tenido lugar en el Museo de Arte Chichu, en Naoshima, Japón (2000, 2004), en la Fundación Prada, Milan (1999) y en el museo de arte de Zurich (1992, 1999).

De sus obras, destacaremos, entre otras: Lighting Field, The Broken Kilometer y el proyecto para el Dia Center for the Arts, NY.

Las dos primeras son dos de las instalaciones más potentes y de mayor reconocimiento a nivel mundial, ya que dejan constancia de las transformaciones que de la mano de la naturaleza afectan a un objeto dado. Tomando como punto de referencia the Lightning Field, apreciamos como el campo iluminado se presenta como una gran estructura que se somete a los caprichos de la naturaleza y donde el silencio imperante se ve interrumpido por el tronar de los rayos.

A esta subyace, en palabras del autor, el planteamiento de que el territorio no es el marco de la obra, sino parte integrante de ella, y no se puede separar de la línea del desierto, el sol o las montañas (imagen 1).

En el proyecto para el Dia Center for the Arts, se dispusieron 127 toneladas de tierra de 56 centímetros de altura ocupando el espacio de una galería de 335 metros cuadrados. De esta forma, Walter de María expone, con una gran intensidad dramática, el material así acumulado, su color profundo, la fría humedad y su olor a humus, en el corazón del espacio urbano, en un lugar tradicionalmente dedicado al comercio del arte (imagen 2).

http://diaart.org/sites/main/lightningfield

http://www.guggenheimcollection.org/site/artist_bio_37.html

Landart

2010-02-07T23:57:00.022+01:00

El término Landart se utilizó por primera vez en la década de los sesenta de la mano de Walter de María, quien lo utilizó para nombrar sus primeras intervenciones en el paisaje.

Nos encontramos en los años sesenta, donde un espíritu de rebeldía rompe con el orden establecido y donde los hechos hablan de por sí: la guerra de Vietnam, el movimiento hippy, la ruptura de los valores tradicionales, la interrogación a la cultura industrial, la conquista del espacio, el nacimiento de la conciencia ecológica…

En el terreno artístico, es una década que cuestiona el pensamiento hacia una vuelta a la naturaleza, y que se manifiesta en contra de las convenciones, incluidos los circuitos de arte establecidos y considerados como únicos: taller-museo-galería.

Se buscan nuevas formas, nuevos escenarios, modelos, conceptos, representaciones, concepciones, confrontación. En esa búsqueda, se establece definitivamente el trabajo in situ. El arte sale al exterior para iniciar nuevas búsquedas relacionadas con este nuevo espacio de expresión. Los artistas trabajan en la naturaleza, lugares alejados de los centros urbanos, zonas desérticas o montañosas y especialmente los lugares asociados a antiguas culturas.

Al privilegiar la naturaleza, ya no tiene lugar abordar un enfrentamiento directo con el espacio de la galería, y tampoco tiene lugar la comercialización del arte, porque el arte, se depriva cada vez más de esa noción de objeto – fetiche listo para llevar a casa o a la galería, y pasa a ser una idea, un recuerdo, una experiencia, una sensación.

Partiendo de estas bases, es fácil entender que el Landart concibe la obra como justamente lo que es, un medio mental, a través del cual es fácil abordarla, alcanzarla, y el espectador puede apropiarse de ella, sin necesidad de poseerla como un objeto que pasa a formar parte de una colección personal.

Algunos nombres

Walter de María, Robert Smithson, Michael Heizer, James Pierce, Nancy Holt, Eduardo Chillida, James Turrell...

Enlaces recomendados

http://www.joern.dk/landart/landart.uk.html

http://www.joern.dk/landart/anholt/landart%20anholt.html

http://www.tate.org.uk/collections/glossary/definition.jsp?entryId=151

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Capilla de San Ignacio- Seattle (Steven Holl)

2010-02-07T13:13:00.006+01:00

Os dejo con unas fotografías increibles de la capilla de San Ignacio de Steven Holl en Seattle que he encontrado por casualidad en el siguiente enlace: http://studio435.net/photography/photography%20-%20steven%20holl%20st%20ignatius.html

¡Espero que las disfrutéis!

Jacob Holdt (1969- )

2010-01-16T20:23:00.032+01:00

La aventura de Jacob Holdt comienza en 1969 cuando decide partir de su Dinamarca natal a Canadá para apoyar a Salvador Allende. Ese es el comienzo de 5 años viajando en autostop por las carreteras estadounidenses y entrando en contacto con la cruda realidad de unos años marcados por la exclusión, el conflicto social, y el racismo. Sin más compañía que su cámara fotográfica convencional y 40 dólares, fotografía todo aquello que ve y que cuenta en sus cartas.

En 1976, al volver a Dinamarca, organiza una proyección con sus fotografías en su pueblo natal, la cuál tiene una gran repercusión mediática y le lleva a publicar American Pictures, un best-seller donde muestra más de 700 fotografías del american dream en su doble vertiente, una de ellas aterradora.

Precisamente ese libro es el que le ha valido la nominación como fotógrafo consagrado. Hay una versión web en su pagina, encontraréis el link a continuación, y una galeria de fotos.

En la actualidad, Jacob Holdt trabaja en la universidad de Copenhaguen y se dedica a dar conferencias por Europa y Estados Unidos. Es miembro además de varias ONGs con las que participa activamente, una de ellas CARE, y su obra no tiene desperdicio. Por último, se puede ver una exposición muy interesante de gran parte de su trabajo titulada FAITH, LOVE AND HOPE en el museo de Lousiana, Copenhaguen.

Pulsar aquí para ver su Galería personal (página web en inglés)

Hans Bellmer (Polonia 1902- Paris 1975)

2010-01-16T20:05:00.019+01:00

Puede gustar más o gustar menos, pero seguro que su obra a nadie deja indiferente. Hans Bellmer fue un artista y fotógrafo polaco que trabajó gran parte de su vida en Berlín y vivió los horrores del auge del nazismo, razón por la cual tuvo que exiliarse a París en 1938.

Su obra más conocida, la Muñeca, es un objeto con pretensiones eróticas, una criatura artificial con múltiples posibilidades anatómicas, mediante la cual Bellmer intenta descubrir la mecánica del deseo y desenmascarar el inconsciente psíquico que nos gobierna. La escultura evoca también la emancipación femenina, y es también una denuncia del culto al cuerpo perfecto de moda en la Alemania nazi.

En París, fue acogido por los surrealistas, que reconocían en su Muñeca y en sus fotografías una nueva manera de abrir el espíritu de la sociedad a sus fantasmas inconscientees y de obligar al espectador a interrogarse sobre los sentimientos producidos en él por la obra de arte y sobre las relaciones con su propio cuerpo y todo lo que ello conlleva de hipocresía o de complejo.

Aunque la Muñeca es su obra más innovadora y más conocida, continuó con sus trabajos sobre el erotismo, con abundantes dibujos y fotografías de esculturas-objetos.

(fuente: wikipedia)

Granada

2009-10-05T13:35:00.016+02:00

Arte conceptual. Sol Lewitt

2009-09-27T00:04:00.039+02:00

"In conceptual art the idea or concept is the most important aspect of the work . . . all planning and decisions are made beforehand and the execution is a perfunctory affair. The idea becomes the machine that makes the art."
http://www.artlex.com/ArtLex/c/conceptualart.html

"(En el arte conceptual, la idea es el todo y el objeto es tan sólo un artefacto que acaba modelando a la propia idea. La ejecución es un asunto superficial".
http://www.artedehoy.com/html/arteconceptual.html

Os dejo un enlace interesante que encontré por casualidad:

http://nomada.blogs.com/jfreire/2007/04/sol_lewitt_arte.html

Man Ray 1890-1976

2009-09-18T14:52:00.002+02:00

Surrealismo en fotografía.

Stieglitz

2009-08-29T21:43:00.021+02:00

Alfred Stieglitz

La fotografía de Alfred Stieglitz se convierte con el tiempo en una admirable fusión entre realidad y técnica. Sus capturas se centran en el paisaje, en las vistas de Nueva York y en intensos retratos. En 1918 se traslada a vivir con la pintora Georgia ‘O Keeffe y su relación se convierte en la fuente de un recíproco estímulo estético e intelectual.

La fotografía de Stieglitz transmite de esta manera tonos más íntimos y expresivos, y se acerca a la experimentación, inspirándose en sujetos particulares, sino en pensamientos, estados de ánimo y emociones.

Entre los años veinte y treinta, el fotógrafo americano se dedica a las Equivalents, una serie de vistas líricas de cielos, que el mismo describe: «en mis fotografías busco expresar la realidad como yo la veo, siendo éstas unos "equivalentes" de mi visión de la vida.

Alfred Stieglitz

In time, Alfred Stieglitz’s photography became a marvellous fusion between reality and technique. His shots focused on the landscape, views of New York and powerful portraits. In 1918 he went to live with the painter Georgia `O Keeffe and their relationship was the source of a mutual aesthetic and intellectual stimulus.

Stieglitz’s photography conveys highly intimate and expressive qualities. It approaches experimentation, inspired not by particular subjects, but by thoughts, states of mind and emotions.

From the 1920s to 30s, the American photographer devoted himself to the Equivalents, a series of lyrical views of the sky, which he described: "in my photographs I try to express reality as I see it, they are the ‘equivalents’of my vision of life.

Recomendaría, Para más información:

http://www.elangelcaido.org/fotografos/stieglitz/stieglitz.html

Piornedo. Ruta Piornedo-Mostallar. Ancares.

2009-08-27T12:21:00.016+02:00

Las vacaciones en casa también tienen su recompensa.

Os dejo unas fotos increíbles de la ruta Piornedo-Mostallar, en los Ancares, y de paso, revisamos la diferencia entre montañismo (o más correctamente, como bien indica la RAE, alpinismo) y senderismo; y buscamos lo que pueda servir como "equivalente" en inglés.

¡Saludos!

Montañismo- (RAE) Deporte que consiste en la ascensión a altas montañas.

Senderismo- (RAE) Actividad deportiva que consiste en caminar por el campo siguiendo un itinerario determinado.

Hiking- (Merriam Webster)to walk a long distance especially for pleasure or exercise (...).

Tracking- (Merriam Webster) to move in a certain way or in a certain direction ▪ The boat tracks well. ▪ The squadron will track north by northeast for 40 miles

Climbing/ Mountain Climbing - (Merriam Webster) to go up mountains, cliffs, etc., as a sport [+ obj]

Senderismo- Hiking (más específico)/ Tracking (más general)
Montañismo- Climbing/ Mountain Climbing

Thermal Baths. Vals/ Las Termas de Vals

2009-08-25T11:41:00.002+02:00

Thermal Baths. Vals

Vals is a remote alpine village in the canton of Graubünden, which has recently become well known all over Switzerland and the rest of the world.

During the early 1980s the community of Vals bought a bankrupt hotel consisting of three buildings from the 1960s, and commissioned Peter Zumthor to build a new thermal bath. The building became a success in Switzerland: only two years after its opening it became a protected building.

Zumthor uses images of quarries and water flowing spontaneously from the ground to describe the conception of the building, ideas charged with an archaic atmosphere. Its geometric rigor reflects a huge rock embedded in the hillside.

The building is made from local Valser quartzite and concrete. Water, light and to some extent steam and heat, add to the definition of areas within the ritual of the bath. (Adapted text from www.galinsky.com)

Las Termas de Vals

Vals es un remoto poblado alpino situado en el cantón de Graubünden que recientemente ha visto aumentada su popularidad en Suiza y en el resto del mundo.

En los primeros meses de 1980 la comunidad de Vals compró un hotel en quiebra que constaba de tres edificios de 1960 y encargó a Peter Zumthor la construcción de un complejo termal. El edificio alcanzó gran fama en Suiza y sólo dos años después de su inauguración fue declarado edificio protegido.

En la concpeción del edificio, Zumthor utiliza las imágenes del cuarzo y del agua emanando espontáneamente del suelo; ideas cargadas de una atmósfera arcáica. Su rigor geométrico se materializa en una gran roca incrustada en la ladera.

El edificio está hecho de roca cuarcítica local y hormigón. El agua, la luz y en cierta medida el vapor y el calor se suman a la definición de los espacios que configuran el ritual del baño.

http://globalachytrad.wordpress.com

Surrealismo

2009-08-08T12:11:00.001+02:00

De El Bosco...

a Dali...

Palabras clave: surrealismo. pintura. psicoanálisis.

http://pincelyburil.blogspot.com/2009/01/el-surrealismo-y-el-bosco.html

http://psicoanalisisextension.blogspot.com/2009/06/psicoanalisis-y-literatura-apuntes-de.html

Archigram

2009-07-01T21:34:00.001+02:00

A principios de la década de los 60, aparece en la escena londinense una revista de arquitectura llamada Archigram, que se autoerige como principal agitadora de la arquitectura de su tiempo y permanecerá en activo hasta 1974 poniendo como fundamento de sus planteamientos la cultura pop, la aceptación del modelo consumista, y la incorporación de toda tecnología útil a la arquitectura.

Archigram estaba integrado por Ron Herron, Peter Cook, Warren Chalk, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene, un grupo de arquitectos muy jóvenes.

Archigram (término que enhebraba la palabra ARCHItecture y TeleGRAM) proponía una arquitectura profundamente tecnológica, realizada con nuevos materiales enteramente industriales, reivindicando de un modo de vida despreocupado y utópico. A través de módulos de plástico y metal intercambiables, las estructuras inflables o colgantes de Archigram permitirían la libertad de acoplar elementos de distintos tamaños. Su diseño más consecuente (e irrealizable) fue la archiconocida Ciudad Andante (1964) de Ron Herron.

Archigram se sirvió del lenguaje del cómic y del collage para difundir sus propuestas: ciudades de horizontes quebrados y coloristas, calles con cadillacs, zepelines, y grandes anuncios de colores. Se trataba, evidentemente, de uno de los innumerables golpes que la sobria arquitectura moderna (Bauhaus, Mies Van der Rohe) habría de sufrir en la segunda mitad del siglo XX para que finalmente madurara el estilo posmodernista y todas sus ramificaciones actuales.

Para más información, http://rrose.espacioblog.com/post/2007/01/26/archigram